O cinema é rico em deleite sensorial: gradientes de cor e paisagens auditivas definem cada filme que já foi criado desde o surgimento do meio. Dito isso, relativamente poucos filmes (e, por extensão, seus diretores) chegam ao verdadeiro brilho quando se trata de suas histórias e dos estilos em que se desenrolam.
Grandes cineastas aperfeiçoaram seu ofício quase à perfeição. Como tal, suas criações tendem a renunciar a roteiros estereotipados e conceitos clichês. A amplitude de habilidade que possuem ajudou a reimaginar a própria forma de arte em várias ocasiões, explicando por que seus filmes são reconhecíveis apenas por sua visão e design visual.
10 Mira Nair Utiliza A Espontaneidade Artística Para Separar A Verdade Do Fofo
Os filmes de Mira Nair refletem seu passado como documentarista, incorporando uma ampla (e saturada) paleta na defesa apaixonada de seus amados personagens. Ela cobre tópicos de imigração e pobreza a diferenças culturais, como visto em Salaam Bombay! (1988), Monsoon Wedding (2001) e Mississippi Masala (1991).
Nair é um defensor ferrenho do cinéma vérité, um estilo de arte que utiliza a espontaneidade diretorial e cinematográfica para separar a verdade da fofura. Embora sua adaptação de Um menino adequado, de Vikram Seth, tenha recebido algumas reclamações críticas, a minissérie de TV de 2020 mantém o poder de sua voz.
9A Câmera De Terrence Malick Não Está Ancorada Em Um Ponto Fixo No Espaço
Terrence Malick conquistou uma horda de fãs dedicados ao longo dos anos. No entanto, quase tantos detratores denunciam seu estilo como nada mais do que pretensiosamente ambíguo. Badlands (1973) é tão sinuosa e abstrata quanto Tree of Life (2011). Eles estão separados por quase quarenta anos, mas ainda estão conectados através da visão poética inabalável de seu diretor.
Malick garante que sua câmera, como uma extensão do olho do observador, não está ancorada em nenhum ponto específico. Em vez disso, ele permite que escaneie livremente cada cena, fazendo com que pareça que está levitando.
8A Turvação Atmosférica De David Lynch Parece Quase Alucinatória
Dennis Lim escreve que “o paradoxo da sensibilidade lynchiana é que ela é ao mesmo tempo fácil de reconhecer e difícil de definir” – uma expressão de descrença surreal que caracteriza perfeitamente a obra de David Lynch. Os ambientes de suas histórias são, na melhor das hipóteses, nebulosos, quase como se ocorressem em uma alucinação ou um sonho febril.
Lynch insere suas experiências de cidade pequena em seus filmes, adicionando uma pitada etérea de escuridão que os transforma em obras de arte que nem os críticos nem o público podem descrever com sucesso. Seu Mulholland Drive (2001) foi eleito o melhor filme do século 21 por quase 200 críticos .
7Os Filmes De Ava DuVernay Evocam Reações Semelhantes Do Público
Ava DuVernay confronta a visualização da experiência afro-americana no cinema, subvertendo as expectativas tradicionais ao induzir um sentimento de empatia indisfarçável por seus personagens.
Sua marca de produção de filmes envolve vários pontos em comum: representações nítidas da identidade negra destacadas com iluminação cuidadosamente projetada. Selma de DuVernay (2015) é um longa-metragem, enquanto 13th (2016) é um documentário, mas ambos evocam reações semelhantes dos telespectadores.
6Sergio Leone Justapõe Tomadas De Ângulo Amplo Com Close-Ups Extremos
O mestre do Spaghetti Western , a fama de Sergio Leone é a Trilogia Dollars , um conjunto de filmes estrelado por Clint Eastwood como o icônico Homem Sem Nome (também conhecido como Blondie). Sua abordagem para o ofício é incrível, combinando humor e tensão com uma sutileza que poucos diretores são capazes.
Leone justapõe tomadas de ângulo amplo do ambiente com close-ups extremos dos rostos dos personagens, expandindo e contraindo a perspectiva do público para se adequar ao fluxo narrativo. Além disso, o gênio idiossincrático do compositor Ennio Morricone desempenha um papel inegavelmente reconhecível nos filmes de Leone.
5Woody Allen Mistura Cinema De Arte Com Comédia Abstrata
Woody Allen empresta elementos de diretores de arte como Luis Buñuel, Ingmar Bergman e Akira Kurosawa, misturando-os em um estilo de comédia que lembra os irmãos Marx. Seus filmes raramente seguem um caminho reto, tecendo enredos implausivelmente abstratos com engenhosidade cinematográfica.
Na verdade, Allen insistiu que o “status de artefato cinematográfico” da comédia não recebeu a atenção que merecia, explicando por que ele escolheu seguir esse caminho particularmente complicado. No entanto, valeu a pena, tornando-o um dos cineastas mais complexos visualmente na indústria.
4As Formas Desproporcionais E Os Elementos Góticos De Tim Burton São Instantaneamente Reconhecíveis
A filmografia de Tim Burton varia de exemplos bizarros como Beetlejuice (1988) e Edward Mãos de Tesoura (1990) a metocomédias deliciosamente horripilantes como Mars Attacks! (1996). Ele também fez Batman (1989) e Big Fish (2003), provando ser um diretor visionário .
As técnicas cinematográficas de Burton são versáteis e experimentais, e seu fascínio pelo macabro é imediatamente evidente para qualquer pessoa que assistiu a pelo menos um de seus filmes populares. Burton distorce as perspectivas de seus espectadores com formas e formas estranhamente desproporcionais, incorporando um toque gótico em quase tudo que ele faz.
3Os Irmãos Coen São Conhecidos Por Sua Abordagem Prática Em Relação À Produção De Filmes
Os irmãos Coen são conhecidos por sua atitude prática em relação à produção de filmes, o que inclui escrever todos os seus roteiros (adaptados ou não). O ambiente realista usado em seus filmes é ocasionalmente pontuado por momentos de nostalgia dourada, uma combinação que funciona espetacularmente a seu favor.
O que não pode ser subestimado, no entanto, é o impacto de Roger Deakins (o Diretor de Fotografia de 12 de seus filmes). Essa aliança inquebrantável entre cinematografia e direção é a razão pela qual a arquitetura visual dos Coens é tão distinta, seja em Barton Fink (1991) ou Hail, Caesar! (2016).
2Taika Waititi Incorpora A Nova Zelândia E Sua Cultura Em Seu Trabalho
O diretor Taika Waititi é da Nova Zelândia e faz questão de que seu público saiba disso. Hunt for the Wilderpeople (2016) e What We Do in the Shadows (2014) retratam pontos de vista completamente diferentes sobre o país.
Taika também homenageia sua formação cultural em seus outros empreendimentos como diretor, notavelmente Jojo Rabbit (2019), onde interpreta Hitler com sotaque alemão-neozelandês, e Thor: Ragnarok (2017), no qual ” baseou a voz de Korg em seguranças polinésios. “As comédias de Taika não são menos memoráveis do que seus sucessos de bilheteria.
1Os Filmes De Wes Anderson São Exuberantes, Radiantes E Pintados Em cor Pastel
Os filmes de Wes Anderson são exuberantes, radiantes e pintados em uma deliciosa variedade de tons pastel que só ele pode imaginar. O estilo do diretor é consistente e inimitável, embora deva ser destacado que sua escolha habitual de elenco (Bill Murray, Anjelica Huston e Adrien Brody) são igualmente responsáveis por manter a estética de Wes Anderson.
Ele implementa câmera lenta e stop motion com notável atenção à simetria visual, tornando-as características conspícuas de seus filmes. Isle of Dogs (2018) e The Royal Tenenbaums (2001) parecem diferentes na superfície, mas compartilham o coração acelerado de Anderson.
Fonte: CBR