“Regras são feitas para serem quebradas” soa verdadeiro para muitos artistas e cineastas. Embora certas regras e padrões devam ser considerados na produção de um filme, muitos cineastas desafiaram isso e criaram suas próprias regras. Como o cinema é uma arte e é subjetivo, os artistas sentem que podem usar a plataforma como uma tela em branco e preenchê-la como quiserem, mesmo que isso signifique quebrar a estrutura da Jornada do Herói, a regra dos terços, a regra dos 180 graus , e outros.
Com lançamentos recentes notavelmente únicos, como Tár e Triângulo da Tristeza , é óbvio que os cineastas continuam a ultrapassar os limites e quebrar as regras da indústria. Não faltam clássicos lendários que desempenharam papéis importantes tanto na formação quanto na mudança dessas regras cinematográficas, com os mais inovadores e (então) controversos entre eles ainda influenciando os filmes de hoje.
‘Pulp Fiction’ (1994)
A história de dois pistoleiros, Vincent Vega ( John Travolta ) e Jules Winnfield ( Samuel L. Jackson ), se entrelaça com seu chefe, Marsellus Wallace ( Ving Rhames ), sua esposa atriz Mia ( Uma Thurman ), o boxeador Butch Coolidge ( Bruce Willis ), o limpador Winston Wolfe ( Harvey Keitel ) e uma dupla de ladrões armados Pumpkin ( Tim Roth ) e Honey Bunny ( Amanda Plummer ).
Ao contrário de muitos filmes, Pulp Fiction é contado em uma estrutura não linear que consiste em sete sequências. E embora pareça que uma estrutura não linear é o que quebrou a regra do cinema, são os diálogos pesados que mais se destacam. Na escrita de roteiros, a regra é não exagerar nos diálogos de um roteiro, mas foi isso que Tarantino decidiu para Pulp Fiction (e muitos de seus outros filmes), e funcionou.
‘Inland Empire’ (2006)
Quem conhece David Lynch sabe que ele é o mestre do cinema surrealista . Em seu último longa-metragem Inland Empire , a vida de uma atriz chamada Nikki Grace ( Laura Dern ) se confunde com a vida de sua personagem no cinema, Sue Blue. Conforme seguimos as viagens surreais de Nikki Grace e Sue Blue, as coisas ficam mais estranhas a cada minuto.
Enquanto um filme geralmente consiste em um enredo coerente, muitos filmes de Lynch, como Inland Empire , carecem de um enredo lógico. Muitas vezes questionamos as coisas que acontecem em seu filme. Mas o que torna Lynch ótimo é sua capacidade de confundir e deslumbrar seu público ao mesmo tempo.
‘Homem com uma câmera de filme’ (1929)
Man with a Movie Camera é um documentário soviético mudo experimental dirigido por Dziga Vertov , filmado por seu irmão Mikhail Kaufman e editado pela esposa de Vertof, Yelizaveta Svilova . O filme retrata a vida urbana em Moscou e cidades ucranianas como Kyiv e Odesa durante a década de 1920. Com duração de 60 minutos, O Homem da Câmera não conta necessariamente como longa-metragem, já que a duração média de um filme é de 90 a 120 minutos.
O filme não tem atores principais e enredos claros e é mais uma compilação e documentação de um dia na vida de civis russos e ucranianos. Apesar de não ser considerado um filme por alguns, Vertov e seu filme foram creditados por inventar e empregar muitas técnicas cinematográficas, como exposições múltiplas, câmera lenta/rápida, quadros congelados, cortes combinados, cortes de salto, telas divididas e ângulos holandeses.
‘Avião!’ (1980)
Avião! , como o título sugere, é um filme de comédia paródia que zomba de forma engraçada da linha de filmes de desastre lançados durante os anos 70. Quando os passageiros e a tripulação, incluindo os pilotos de um avião, sofrem uma intoxicação alimentar, um ex-piloto de caça com problemas com a bebida, Ted Striker (Robert Hays), e sua ex-namorada, agora comissária de bordo Elaine (Julie Hagerty), têm para trazer o avião para um pouso seguro.
Embora Avião! não é o primeiro filme a ter quebrado a quarta parede , ele tem, entre muitos filmes que também usaram a técnica, conhecido por olhar diretamente para o público para amplificar sua comédia. Desde o seu lançamento, Airplane! foi classificado como uma das comédias mais engraçadas e os melhores filmes de todos os tempos por vários veículos, como a revista Empire e a Bravo .
‘O Iluminado’ (1980)
Baseado no romance de mesmo nome de Stephen King , The Shining , de Kubrick, continua sendo um dos filmes de terror psicológico mais icônicos até hoje. Como diretor, Stanley Kubrick era conhecido por seu gosto pela simetria visual, que ele frequentemente usava em seus filmes. Enquanto Kubrick manteve a simetria visual em muitas cenas de O Iluminado , ele também quebrou a regra de 180 graus do cinema. De acordo com a Early Light Media , a quebra da regra dos 180 graus ocorre quando o público acredita que um personagem na tela “girou magicamente de sua posição original quando, na realidade, não se moveu”.
Quebrar a regra dos 180 graus geralmente não é considerado um movimento ideal para filmes, pois pode desorientar o ponto de vista do espectador e a perspectiva da cena e da ação. Ao longo dos anos, no entanto, muitos cineastas optaram por quebrar a regra para criar confusão ou mostrar uma mudança abrupta de humor na história. De certa forma, quebrar a regra pode melhorar a história ou os personagens.
‘Dogville’ (2003)
Dogville de Lars von Trier se passa em uma pequena cidade minimalista em um estúdio literal, onde a história é dividida em nove capítulos e um prólogo. O filme gira em torno de uma garota, Grace Mulligan ( Nicole Kidman ), que é uma forasteira em uma pequena cidade americana. O filme experimental recebeu críticas mistas após seu lançamento devido às escolhas não convencionais do diretor, como ambientar o filme em um estúdio com cenário minimalista.
Enquanto alguns elogiaram o filme como uma declaração artística inovadora, outros acharam que era muito emocionalmente distante, alguns até chamando-o de misantrópico (anti-humano) e apenas um filme exaustivo de três horas cheio de experimentação inútil. De qualquer forma, é conhecido por ter quebrado muitas regras cinematográficas.
‘Espelho’ (1975)
Andrei Tarkovsky , considerado um dos maiores cineastas de todos os tempos, dirigiu o filme Mirror . O filme, contado em uma narrativa não linear, revela as memórias de um poeta moribundo e suas experiências pessoais com a cultura soviética. O espelho oscila constantemente entre preto e branco, colorido e sépia – retratado como se estivesse em um estado de sonho, saltando entre sonhos e pesadelos.
Enquanto alguns não estão tão entusiasmados com o filme, pois acharam a história pouco clara e sem foco, outros se referem a ele como um dos melhores filmes já feitos. Uma pesquisa da Sight & Sound de 2012 classificou Mirror como o 19º maior filme de todos os tempos, o jornalista inglês Will Self o chama de “o filme mais bonito já feito” e o British Film Institute observou que o filme “foi pioneiro em uma forma poética e ricamente alusiva”.
‘Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles’ (1975)
Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles , um filme belga, retrata um dia na vida de uma dona de casa, Jeanne Dielman ( Delphine Seyrig ). Ao longo de três dias, Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles, retrata as tarefas programadas e repetitivas que uma dona de casa tem que fazer todos os dias; cozinhar, limpar e cuidar dos filhos. Como parte de sua rotina diária e fonte de renda, Jeanne também faz sexo com seus clientes homens todas as tardes.
A diretora Chantal Akerman poderia deixar os espectadores fascinados com sequências geralmente deixadas de fora dos filmes. Akerman chamou o filme de “um filme de amor para minha mãe. |t dá reconhecimento a esse tipo de mulher.” Akerman também sentiu que era o momento certo para fazer um filme centrado na mulher porque “naquele ponto, todo mundo estava falando sobre mulheres” e que era “o momento certo”.
‘Jules et Jim’ (1962)
Entre os melhores filmes da Nouvelle Vague francesa do cinema, Jules et Jim é uma premiada obra-prima dirigida, produzida e escrita por François Truffaut . Ele gira em torno de um triângulo amoroso não convencional e trágico entre o boêmio Jim ( Henri Serre ), seu estranho amigo Jules ( Oskar Werner ) e a parceira de Jules, Catherine ( Jeanne Moreau ).
O incrível filme de Truffaut parece e soa como uma típica comédia romântica (como o público a conhece hoje), com montagens alegres, narração alegre e música alegre. Quebra as regras por ser paradoxal, já que a própria história – juntamente com os diálogos e a caracterização – tem uma emotividade e profundidade surpreendentes que deixam os espectadores com uma sensação de peso. Isso sem mencionar o fato de que foi considerado sexualmente transgressivo na época graças ao arco de Catherine.
‘Psicose’ (1960)
Psycho , do diretor Alfred Hitchcock , é um thriller psicológico icônico que dispensa apresentações. O filme culturalmente significativo é frequentemente considerado um dos primeiros exemplos de um filme de terror, pois segue a secretária ladra Marion Crane ( Janet Leigh ) em fuga antes de parar no Bates Motel. Lá, ela conhece o excêntrico proprietário Norman Bates ( Anthony Perkins ), que tem um hobby bizarro e uma relação aparentemente complicada com sua mãe.
Psycho quebrou tantas regras e ultrapassou os limites do que era permitido ser exibido na tela grande. Além de seus escandalosos níveis de violência (principalmente a lendária cena do chuveiro) e representações da sexualidade (com dois indivíduos que não são casados mostrados na mesma cama), também se tornou o primeiro filme comercial a retratar um banheiro com descarga.
Fonte: Collider